刁金玲

http://www.qqwwr.com 2010年05月30日 11:15 来源： 《东京文学》

【摘要】舞蹈是一种表演艺术,以整个人体的美化运动为创造艺术形象的主要手段。人体也就是形象的物质材料,但人体美并不能直接产生舞蹈艺术美。所以,即使有了一个符合舞蹈要求的人体,也只能说是为进一步创造艺术准备了一个符合初始条件的原坯。“玉不琢,不成器”,如果不对其进行合乎专业要求的严格训练,就无法使其创造出舞蹈艺术。

【关键词】舞蹈动作;技能训练;形成规律
　　
　　舞蹈演员不同于模特,其并不是以人体的自然美直接呈现在观众面前引来欣赏者的美感,而是在自然人体的基础上,按照舞蹈艺术的规律与要求,创造出以肢体语言来表达情感的方式对观众进行审美陶冶和艺术感染的。
　　
　　一、由人体的自然形态转到舞蹈形态
　　
　　仅有一个符合舞蹈要求的原坯是不够的,那就需要通过科学系统的专业训练将人体的自然体态转换成符合舞蹈专业要求的形体,在训练的第一节注重要解决的就是开、绷、直、立。

开:是指髋关节向人体两侧外开,舒展了人体的线条,增加了人体下肢的表现能力,芭蕾中的“开”是有一定的难度,必须要从髋关节到膝关节、腕关节、脚趾尖全部打开,但容易打开的部位使劲打开,不容易打开的部位不打开,这样容易造成上下扭曲,使肌肉和韧带容易拉伤。“开”髋关节的开可以舒展人体线条,肩关节的外开不仅有利于后背的直挺及收紧,而且能增添演员的一种高亢的精神及挺拔的气质。

绷:也是舞蹈形态的基本要素之一。当然在舞蹈训练中,绷脚是每个教师经常提醒学员的话题之一。可以这么讲,动力腿只要一动,尤其是离地,必须绷脚。绷脚也有两个重要作用,一是绷脚毫无疑问延长了腿的长度,强化了腿的流线型的优美。二是绷脚训练能使踝关节得到强有力的锻炼,增强了踝关节以下到趾关节的灵敏性。一般初学者在绷脚练习中,经常会出现绷脚背不绷脚趾的现象,这都不符合规范要求,绷脚必须从踝关节开始把力量一直贯入到脚趾,让脚趾去找脚心,实际上脚背脚趾绷得越紧,腿部膝盖也会越收越紧。

直:在基训中是一个整体的概念,要求身体挺拔直立,不能塌腰凸臀,不能挺胸叠肚,也包括腿在身体需要直的时候,必须收紧膝盖。舞蹈形态中要求人体的直有两个目的:一是从精神气质角度,使人有一种精神倍增的赏心悦目的感觉,给人一种朝气蓬勃的享受;二是从技能技术训练的角度,在任何情况下,上身因舞姿造型的需要而出现前倾后仰左倒右出时,人体的重心必须严格保持垂直,重心的垂直是人体在直立状态下的需要,惟有这样才能使舞蹈从容不迫,一气呵成。人在舞蹈中身体的形态是千变万化的,只有重心在动作中不断的进行调整,由此可以认识,基础训练中直立的训练也是很重要的。

立:似乎同“直”差不多,的确如此,但仅仅这么理解是肤浅的。“立”有着自己的含义。一是在人体的整体概念上,“立”会给人带来一种提升的感觉,这是一种轻盈、敏捷和精神气质的美,这一点与“直”有类似处。二是指腰部的立,这一点才是“立”的真正含义,千万不能将这一点掉以轻心,因为腰部是躯体活动范围最大的部位。
　　
　　二、单一的能力训练
　　
　　作为一名舞蹈演员,身体的专业条件、能力和素质,掌握舞蹈的节奏特点,身法韵律的贯穿以及技术技巧的特性都是非常重要的能力训练。

首先,要求身体各关节、韧带的柔韧性要好,幅度要大,特别是对肩、腿、腰、髋的柔韧性要求很高。因为在演员表演中如舞姿、技巧中的拧、倾、伏、仰等各种要求,没有各个关节部位韧带的柔韧性,是很难达到的。

1、要求下肢有大的运动幅度。前、旁、后腿要求达到180度。通过这些基础条件为以后的技巧做准备。

2、要求髋关运动幅度大。整个大腿根向外开,而且髋关节的大幅度运动。要求达到180度。

3、舞蹈对腰的训练要求也很高,内容极为丰富。腰部的训练不光是我们通常所说的“大腰”的训练,它包括的范围要广得多。可以分为上、中、下三节。不仅要求柔韧性好,而且还要具备腰背能力,以及在运动中的细微变化,腰部同样也起着上下身配合协调的桥梁作用和指挥全身的枢纽作用。


三、身体各部分能力的提高
　　
　　任何一个单一训练都应纳入系统化和规范化之中,训练效果才能得到较快的提高。比如说基本功课堂一般由把杆、中间、旋转、跳跃等部分组成。

如把杆的蹲,它是训练腿和胯的外开及腿部肌肉的力量,同时对关节韧带的弹性和腿腱的柔韧性有极大的训练价值,其中(demiy pile)是所有跳跃练习的重要部分,也就是我们常说的没有好的蹲就没有好的跳。

擦地不仅是锻炼腿部的外开以及脚腕脚背的能力,同时还为今后的(Assemble pasjete)等动作做准备。也为今后大跳做基础训练。只有把单一训练纳入课堂的整体规划中,教学质量才能得到保障。

身体各部位的能力,与课堂的系统训练有着直接的关系,只有将课堂训练系统化和规范化,才能使身体的各部分能力得到提高,同时为今后的技术技巧打好基础。
　　
　　四、理解舞蹈与音乐的紧密联系
　　
　　在完成以上各种训练时,为了使训练更接近舞台化,为时要让学生更了解舞蹈与音乐的联系。

在技能技巧提高的同时更要注重它们的表现力。可以把不同性质的动作放在同一个组合中做,以区分各种动作的不同性格和表现方法,并在这种变换中,培养一堂课在不同阶段中,动作的协调性和动作提高灵活性的提高。进一步发展表现力。对艺术表现力起作用的除了双臂就是躯干,它的各种弯度倾斜和拧、转等形态,以及头、手臂配合的协调性,都是突出艺术表现力的重要因素。在这阶段的训练中应引起适当的重视。

舞蹈与音乐是一个不能分离的行为,二者之间的紧密联系,同出一源。舞蹈从一产生便与音乐结成了最紧密的伙伴,而这种联系是全方位的。舞蹈总是踩着音乐的节拍而展开的,有一种说法——“音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈是音乐的回声。”舞蹈的确是音乐在空间的回声,或者说舞蹈就是视觉化的音乐。

舞蹈主要凭借人体动作的速度、幅度大小、力度强弱这些因素体现出节奏的,它也通过这些因素获得了情感表现力。如跳跃动作,一般能表现喜悦的情绪,跳跃幅度大,表示情绪豪迈,跳跃幅度小,则表示情绪比较快等等,舞蹈就是把音乐变成了视觉欣赏的形式。

舞蹈在本质上是一种抒情的艺术,或者说是一种表现性艺术,在这方面,它与音乐有着高度一致,大多数舞蹈都有音乐伴奏的,因此,在实际舞蹈表演中,舞蹈将音乐节奏演化为十分形象的动作,使音乐伴奏不仅为舞蹈提供了节奏的引导,也加强了舞蹈的情感氛围,音乐,就像舞蹈情感的酵素,使舞蹈者兴奋起来。所以舞蹈与音乐紧密相联。
　　
　　五、艺术修饰与舞台升华
　　
　　巩固和提高所有教材,这时就要强化各种技巧技术的风格特征,加强动作的对比性,对比性的运用不仅对学生的多种能力有很大的帮助,而且,对于增强技术的难度和表现力,都起着不可忽视的作用,这时老师要强调训练上的目的性,规律性,以及动作更精确的准确性,抓住教材上的主干线,举一反三,进行有针对性的阶段训练。

舞蹈本身包含着情感。人们不怀疑在组合、“变奏”中的有感情色彩。教师这时在训练中要求学生“要充满音乐”,“要灌满音乐”,“要有感觉”,“要主要呼吸”等等,这都是情感的一种暗示。

根据音乐性格,掌握组合的表演和特点,使音乐和舞蹈动作达到完美协调,并不断精雕细刻,将组合表现力达到更高的艺术境界。在巩固和提高所有教材的过程中,进一步培养学生表演技能的娴熟性,使技巧和个人风格在舞台上得到更好的发展和升华。
　　
　　六、结语
　　
　　综上所述,舞蹈教学过程,既是传授舞蹈知识的过程,也是训练舞蹈技能的过程。舞蹈动作技能的训练过程,它是身体的一种活动方式。舞蹈技能由身体动作技能和心智活动技能构成。人的“心智活动”,是指借助于内心语言在头脑中进行的认识活动。它包含感知、记忆、想象、思维等成分,当这些心理活动按一定的方式合理有序的进行,便形成正确的“心智活动技能”,或简称“心智技能”它们只能通过系统化规范化不断地训练才能形成,掌握它有益我们今后的教学提高。
　　
　　【参考文献】

[1]吕艺生. 舞蹈教育学[M]. 上海: 上海音乐出版社, 2000.

[2]隆荫培. 舞蹈艺术概论[M]. 上海: 上海音乐出版社, 1997.

作者：60.168.0.*   回复：0   发表时间：2012-07-18 21:22:38